Reseña anime: Dirty Pair

Publicada originalmente en 2011

Minireview: anime del recuerdo "Dirty Pair"

Nombre original: (ダーティペア)

Género: Acción, aventura, comedia, ciencia ficción

Producción: Bandai Sunrise

Año: 1985

Episodios: 26

La loca comedia antecesora a Slayers

En el lejano 1985 existió una serie que, sin ser pionera, innovadora o con un guión digno, quedaría en la retina de los espectadores de antaño. ¿Razones? Muchas, pero la cualidad principal fueron los gags humorísticos y la tensión sexual reinante por la vestimenta y actitud de las protagonistas. Hay que tener en cuenta la época, donde no abundaban títulos de esta categoría, y que los personajes principales estuvieran en poses provocativas era un imán poderoso; actualmente la animación y el diseño nos parecerán penosos.

La historia: Básicamente se les asigna una misión en donde la tarea puede ser proteger, descubrir o infiltrarse en algún recoveco del universo, tarea ingrata para las "hermosas e inteligentes par de Ángeles Encantadores". Aunque en la teoría resultan la antítesis de cualquier grupo humano normal, ya que todo lo que tocan no se convierte en oro precisamente, sino que es llevado a una destrucción segura (explosiones incluidas) sean máquinas, naves espaciales o pueblos enteros.

Con tan mala suerte a sus espaldas, son conocidas por la gran mayoría como Dirty Pair (“el par desastroso”), nombre que Yuri y Kei detestan con toda el alma. Tratando de revertir la situación, las dos agentes se mezclarán con mafiosos, criminales y todo lo concerniente al mundo del hampa, logrando su objetivo de proteger aunque de maneras poco convencionales.

El estilo es propio de los años 80, trazos fácilmente reconocibles con semejanzas a Southern Cross, (la segunda parte de la occidentalizada Robotech), K.O.R e incluso Ranma 1/2. Líneas gruesas y peinados inverosímiles completan el panorama.Los colores del entorno y sus fondos eran normales, exceptuando en los paisajes abiertos estaban cargados y con detalles, aunque sin interferir en las escenas de persecución y los combates que se presentan en los capítulos. Una rara mezcla donde convive la tecnología del año 2138 y caños de agua con siglos en sus hombros.

Visualizaremos un agradable diseño de mechas, con calidad asegurada pues Yasushi Ishizu ha demostrado su valía en títulos como "Dangaioh", "Gundam", "Macross, the movie" y "Birdy the Mighty Decode". Estos robots se encuentran con variedades y mezclados con los humanos para ayudarlos con las tareas cotidianas, en los bosques o como defensa en las instalaciones militares.

Música: Dispar, podemos encontrar el opening "Ru-Ru-Ru-Russian Roulette" que sigue muy bien el patrón de la serie, y luego oír en algunos episodios unas melodías irritantes por los agudos. Hay que aclarar que muchas tonadas pueden parecernos conocidas, pero es por el factor "disco" y la mezcla con la electrónica, las tonadas imperantes por esos años con los efectos propios de la batería y las variaciones del teclado.

Toshiyuki Kimori no lo hace nada mal aunque su estilo es un poco repetitivo. El ending "Uchuu Ren’ai" (Space Fantasy) posee una animación tan, pero tan simple que asusta: en una carretera espacial vemos la mano de nuestra las protagonista pelirroja conduciendo, el dedo sobre el volante siguiendo el compás musical....y nada más. Nakahara Meiko es la autora del opening y ending mencionado antes, una famosa cantante de la década mencionada.

Doblaje: Kei es interpretada por la seiyû Kyouko Tonguu, algunos de sus trabajos son Amatha Pola (Mobile Suit Gundam ZZ), Noguchi (Fight! Kickers) y Hori (Transformers: Victory).Yuri posee las cuerdas vocales de Saeko Shimazu, famosa especialmente por Mishtal (El Hazard), Kodachi Kunoh (Ranma ½) y Shinobu Miyake (Urusei Yatsura, Lum) Para terminar, Gooley es doblado por Ikuya Sawaki, Mao en "Darker than BLACK" Rihito Sakuma en "Marmalade Boy" y Tokuno en "You're Under Arrest".

Lo mejor: Muchas risas

Lo peor: la animación, no deja de ser una comedia predecible.

Review: Conde Pátula (Duckula)

Publicado originalmente en Mayo 2014

Con la moda de los vampiros que reprimen sus impulsos, ¿qué mejor homenaje a un clásico de la animación? Hablamos del Conde Duckula, el vampiro vegetariano por excelencia.

Título original: Count Duckula
Creado por: Cosgrove Hall
País de origen: Inglaterra
Episodios: 65
Fechas de emisión: 1988-1993

Como todo murciélago alado que se precie (en este caso, casi todos son patos) Duckula posee su legendario castillo en Transilvania, y a su servicio dos fieles compañeros de andanzas: el mayordomo "Igor" y la ama de llaves "Nana", quienes muestran diferentes tipos de actitud hacia su amo: mientras la Nana quiere hacer feliz y dar de comer a su pequeño amo (a quien llama patolín cariñosamente), Igor añora las antiguas dinastías de los chupasangres, intentando en cada capítulo que pruebe el sabor del líquido rojo y posea, de una buena vez, los instintos maléficos de sus antepasados.

Los dos secundarios se unirán cuando el Conde esté en problemas con la enorme y variopinta legión de enemigos, un estatus logrado por los cientos de años de terror de la dinastía Duckula.

"cuando la Luna se encuentra en la octava casa de Acuario, hay que agregar sangre de ala de murciélago..."

Al hacer mal el conjuro de resurrección, la poción que traería al nuevo jefe de familia da rienda a un protagonista diferente, que no desea seguir el comportamiento ancestral, siendo miedoso pero a la vez ávido por conocer el otro lado de sus fronteras, se aburre en Transilvania y necesita acción. ¿cómo solucionarlo? viajando hacia diferentes partes del globo, se teletransporta con el castillo y conoce a parientes lejanos y hace nuevas amistades, aunque no todo es diversión, muchas familias desean las riquezas, los aposentos y el propio hogar del Conde.

Asi vemos desfilar a los Hermanos Cuervo, a Phantom imitando al Fantasma de la Ópera (con máscara y capa negra), y el enemigo mortal: Doctor Von Goosewing, por supuesto parodia de Hellsing.

Sin embargo los que se llevan las palmas son los más veteranos patos: Nanny con su torpeza y siempre con un cabestrillo donde suele guardar objetos de todo tipo, e Igor, un buitre que desea la oscuridad y la maldad, como sus amos de siglos pasados.

"...este ingrediente no es sangre ¡es salsa de tomate!"

En el original, el actor inglés David Jason puso su voz para el pato vampiro, siendo más conocido por su papel de detective Jack Frost.

En latinoamérica corrió a cargo de Luis Alfonso Mendoza, Gohan en Dragon Ball Z, Nobunaga Kyota en Slam Dunk y en España se tuvo que doblar dos veces, en TVE (temporada 1 y 2) Duckula posee las cuerdas vocales de Jordi Pons (Kaworu Nagisa de Neon Genesis Evangelion, Takewaki Kuno de Ranma 1/2) luego al poseer Antena 3 Televisión los derechos de la temp. 3 y 4, el staff se renueva y el Conde tiene a Adolfo Martinez como el sucesor, (Yamcha y Son Goku en Dragon Ball Z)

En resumen: Dibujo animado que entretiene a los más chicos, personajes queribles.
Lo mejor: Los lugares que se visitan, Igor y Nanny.
Lo peor: Calidad de animación regular.

Review anime: Uchuu senkan Yamato (Leiji Matsumoto)

Publicado originalmente en Septiembre 2014

Uchuu senkan Yamato

Siguiendo en la línea de "animes del recuerdo" mostraré lo que a mediados de los 70 era furor en Japón, la época dorada de Matsumoto se iniciaba con la serie presente, boceto de lo que más tarde redondearía con Capitán Harlock, disfruten.

Debido a que es un anime de 1974 y es prácticamente imposible que lo pasen alguna vez por tv, sepan disculpar los spoilers que se mencionen.

Nombre original: Uchuu senkan Yamato
Categoría: Shonen
Género: Ciencia ficción
Año: 1974-1983
Episodios: 3 temporadas de 26 episodios cada una

Sinopsis:
Año 2199, el "Imperio Cometa", especializado en ofensivas con asteroides radioactivos, ataca a la Tierra. Ahora, los pocos sobrevivientes subsisten en napas subterráneas; sin embargo, un mensaje de la reina del planeta Iscandar da esperanzas para los que puedan llegar hasta allí, los planos para la construcción de un "motor Warp" pueden lograr que en poco tiempo obtengan dos recursos: tecnología para restaurar el planeta y armamento avanzado para vengarse de los Gamilianos del "Imperio". 
 Siguiendo las instrucciones, se crean e instalan el motor y artillería base sobre un acorazado Yamato (nave de guerra japonesa de la Segunda Guerra Mundial), pero Kadai, un hábil piloto, se debate entre sanear primero al planeta, o destruir a los invasores y apagar su rencor personal hacia los alienígenas...

Estilo de dibujo: Sus trazos no han cambiado desde el inicio de su profesión, factor común que parecen tener muchos autores consagrados (Toriyama y Kurumada son el mejor ejemplo), protagonistas flacos y estilizados, caras que se parecen en diferentes obras, personas bajas con sombreros y lentes (al igual que en Harlock, Queen Esmeraldas, Gun Frontier), etc.

Peinados abundantes en los personajes masculinos principales, mujeres rubias y con pestañas marcadas (como los shojo de esa época).

Una de las críticas que más se escuchan es que las mujeres son prácticamente idénticas en la mayoría de sus trabajos, salvando la vestimenta escogida, es realmente difícil acertar a cuál obra pertenece del autor. Lamentablemente Matsumoto nunca varió su estilo particular de dibujar, y por expreso pedido de algunos editores, sólo introdujo tramas de grises para el cabello de algunas protagonistas, haciendo que en el pasaje a televisión se pudieran alternar los colores.

En la televisión abundan los detalles de fondo, no así en el papel, donde salvando los interiores de las naves y los cruceros espaciales, no hay mucho para ofrecer, dando prioridad a los diálogos de los principales protagonistas. (siempre le ha gustado que todos hablen en cantidad).

Película 1978
Saraba uchuu senkan Yamato ai no senshitachi. Es también conocida como: "Space battleship Yamato, soldiers of love".
Cambiando la premisa original, se caracteriza por los originales toques dramáticos que ocurren a lo largo del film, donde finalmente los protagonistas principales daban su vida para salvar la Tierra, siendo el acorazado dirigido hacia la nave principal enemiga, claro que esto daba por cerrado la saga Yamato, pero la audiencia no quería aceptar este final, por lo cual...

Crucero espacial Yamato II (1978)
...se realizó una segunda temporada, centrándose más en la película pero agregando variantes (y un "final feliz"). Al poseer 26 episodios, la trama se desarrolla mejor y permite ver la evolución de las diferentes flotas.
Con la Tierra restaurada y mejores tropas que el acorazado legendario, la paz parece posible, pero el Imperio ha construido nuevo armamento con tecnología de avanzada; la tripulación Yamato debe emprender un difícil viaje hacia un lejano planeta, donde se dice que la salvación reside en los poderes de una mujer llamada Teresa.

Yamato, la nueva misión (1979)
Presentado como la segunda película en occidente, muestra al barco espacial con nuevos integrantes, con un guión más bien flojo: nuevas fuerzas enemigas que destruyen planetas a su paso y oootra vez el Yamato estará al frente de la resistencia.

Película 1980
Uchuu Senkan Yamato eien ni (conocida en EEUU como "Be forever Yamato")

Lo último que realmente vale la pena, para cerrar con broche de oro, mostrando como la tripulación del Yamato ha obtenido una maestría en el manejo del acorazado; algunos extraterrestres forman parte de los nuevos personajes y otros han crecido con los años. El "Imperio de la Estrella Negra" activa un raro portal del tiempo, mandando a todos hacia un futuro donde la Tierra fue conquistada, Kodai y compañía deberán obtener recursos que sirvan para retroceder y cambiar la historia

Hubo una continuación por intentar alargar la saga que por supuesto no pudieron "llegar" al público, (la gente no se traga la misma temática 10 veces.) la tercera temporada abarcaría 52 episodios, pero el fracaso hizo que se cortara a la mitad, sin embargo la película "Yamato, el capítulo final" (1983) remontó económicamente lo perdido en la serie anterior, siendo un cáliz de oro para Matsumoto, quien cerraba de una buena vez su serie predilecta.

Música y doblaje:
Esto es lo más destacable en cuanto a la serie, ya que Leiji Matsumoto es bastante quisquilloso con la música escogida para sus obras (al igual que Hayao Miyazaki, cabeza líder del Studio Ghibli). Muchas orquestas en las diferentes bandas sonoras, el uso de violines, flautas y pianos con ritmos lentos y tranquilos, no hay muchos temas fuertes, pero la calidad es bastante superior a la media de la época, siendo el maestro compositor Hiroshi Miyagawa el encargado de la mayoría de las interpretaciones.

El opening de Isao Sasaki es sencillo, muy lejos de las canciones de "presentación" actuales, su voz era muy apreciada por su labor del anti-héroe Joe, en Gatchaman. Para terminar Kenji Sawada es la voz del ending, aunque más conocido por la filmografía, es bastante hábil en el manejo del shamisen (guitarra japonesa).

Opinión personal:
Después de leer algunos mangas de Matsumoto y visualizar las diferentes aventuras de Harlock, me sentí "obligado" a ver más de su obras anteriores. Aunque la gran mayoría de sus trabajos poseen mucha crítica social, este anime era la excepción y no me terminó de convencer, pero para entretenimiento era aceptable. No tuvo en Occidente la repercusión de Queen Esmeralda o Galaxy Express, pero en Japón fue todo un suceso a mediados de los 70, donde el anime ya existía hace tiempo pero sin tantos títulos como el presente, para su desgracia le tocaba competir junto a Heidi (tanque en las tardes).

En la actualidad sólo duraría una temporada, el argumento ya ha sido usado y reutilizado tantas veces que bastardea el género de ciencia ficción, factor por el cual muchas series de naves y mechas quedaron en el olvido (por semejanzas y guiones trillados).

 
Aún sin ser un trabajo crítico como nos tiene acostumbrados, Leiji no puede con su vena de esperanza, logrando mostrarnos a través de las diferentes temporadas que, con todo lo malo que puede ocurrirnos, siempre habrá posibilidades de encontrar algo bueno, ya sea amistad, amor, futuro, etc.

Los rencores y peleas personales son dejadas de lado ante la guerra contra los extraterrestres, el honor es algo invaluable (tal como se muestran en películas de western) y los toques de queda en las batallas se respetan. Traiciones y personajes muy misteriosos son extraños, algo impensable hoy en día; el pasado casi nunca es mostrado, todo lo válido es para la supervivencia de la humanidad, lo demás es innecesario.
 
Cuando digo que es la precuela de Harlock, me refiero al tipo de personajes usados, que incluso repiten profesiones dentro de la nave, pudiéndose observar que la comedia está a cargo de un veterinario adicto al sake...acompañado por un gato (caso igual en la serie de piratas). El hermano de Kodai iba a tener una cicatriz en el rostro, semejanzas que dieron paso a mangas futuros.

Para ir terminando, aunque el dibujo es casi prehistórico, los nostálgicos pueden darle una oportunidad a la primera temporada y la película "Be forever Yamato", las continuaciones se pueden saltar sin darle demasiada importancia, demás está decir que con cada nueva entrega, la definición es superior, pero el guión no aportará nada nuevo a la parte original.
Pionero con los cruceros espaciales gigantes y las tramas de grupos heroicos (donde la victoria se logra con el conjunto de personas).

Yamato es un clásico, aunque posteriormente el autor realizaría muchas mejores obras, con más peso en el argumento y carisma en sus protagonistas. Lo recomendaría para visualizar una joya antigua de peleas siderales, pero nada más.

 

Merchandising: Desconozco en Japón, en Occidente es terriblemente difícil hallar hasta los muñecos, salvando gashapones de calidad regular y la nave espacial a precio bastante elevado. Barcos, pósters, videojuegos, pinballs y máquinas de pachinko son algunas de las rarezas que se pueden pedir por internet, a precios para coleccionistas, una lástima.

Luego del video "5555" (del grupo electrónico Daft Punk) y con la calidad conseguida en el mismo, nuevamente se le pidió que considerara un "revival" de Yamato, negándose con la excusa de que a su edad avanzada, sin embargo varios intentos dieron sus frutos, ya que se logró el live action Space Battleship Yamato a finales del 2010 (con la mayoría de los personajes emblemáticos) y el anime Uchuu Senkan Yamato 2199, con trazos menos angulosos y más reales.

Curiosidades:
* ¿Sabían que gran parte de los apodos originales se basan en personas reales? Muchos nombres de samuráis del Shinsengumi (Okita, Hajime, Ohta, Hijikata, Yamanami...), shogunes (Tokugawa), Nanbu y Yamamoto (ejército japonés), Kaoru Shintani (el nombre del cocinero preferido de Leiji M.), etc.
* Muchos autores se basaron en la política de historias más adultas, como Gundam y Macross.
* Los detalles de extraterrestres azules calaron fuerte en los 70 y 80, siendo común ver que los malos tuvieran este color en sus rostros.

En resumen: Una joya para aquellos años, se recomienda sólo para los amantes de Matsumoto, en especial por la animación.
Lo mejor: El fuerte no está enfocado en una sola persona, sino en el conjunto de la tripulación, muy raro para la época emitida.
Lo peor: No esperen un gran dibujo, posee más de tres décadas en sus espaldas

Review/Opinión: Project A-Ko

Project A-Ko

Cuando todo se proyectaba para un corto hentai de la serie Cream Lemon, los productos tacharon este proyecto y recrearon de cero a los personajes, dándoles un guión alocado, robots mechas, comedia y apenas un toque ecchi. Era mediados de los 80, asi que los peinados extravagantes y la temática iban como anillo al dedo, incluso lo que quedó como referente de la obra es la corrida de A-Ko a gran velocidad, llevando de la mano a C-Ko y rompiendo parte de la ciudad por su fuerza.

Nombre original:

 (プロジェクトA子- Project A-Ko
Categoría: shônen

Género: comedia, ciencia ficción

Películas: Proyecto A-Ko (1986)

Proyecto A-Ko 2: Plot of the Daitokuji Financial Group (1987)
Proyecto A-ko 3: Cinderella Rhapsody (1988)
Proyecto A-Ko 4: Final (1989)

OVAs: A-Ko the Versus Battle 1 Grey Side (1990)
A-Ko the Versus Battle 2 Blue Side (1990)

La trama gira en torno a Eiko (A-Ko) una estudiante pelirroja con un talento natural para la lucha que tiene velocidad y fuerza muy elevadas. Su únicas metas son comer y llegar a tiempo a la escuela, tarea que se le dificulta por su afición a la almohada. Por esta razón todas las mañanas se despierta con un tiempo muy limitado. ¿Qué hacer para llegar a horario? lo que haría cualquier estudiante ejemplar: acelerar al máximo....y cuando se dice rápido Eiko es la atleta perfecta, no dudando en traspasar barrios enteros volando por los tejados, corriendo en las rutas, saltando lagunas, todo sin soltar la mano a Shiko (C-Ko), su mejor amiga.

Esta chica que en un principio pareciera ser solo un personaje común, no posee ninguna característica que sobresalga, a excepción de su cabellera rubia, sus cachetes inflados, el increíble optimismo y de ser fiel en las andanzas de la protagonista principal; sin embargo todo girará en el futuro en torno a ella, teniendo más atención que en los minutos iniciales. En Graviton City encontramos a la líder de la clase, Biko (B-Ko), hija de un millonario y acostumbrada a poseer lo que desee, pero no es sólo una mujer que acapare riquezas, detrás de esa fachada de "chica malcriada" hay una mente ágil para todo lo que sea mecánico, siendo capaz de reparar y ensamblar cuaquier robot que su imaginación recree. 

Su punto fuerte son modelos anatómicos de armaduras y, como se imaginarán, ella será la encargada de probarlos. ¿Cuál es su deseo? Intentar separar a las dos chicas y obtener la atención completa de C-Ko para ella sola, de ahí que cada día tenga que pensar nuevos modelos para enfrentar a A-Ko, esperándola en la puerta del establecimiento educativo.

Los personajes secundarios tienen más provecho en las siguientes entregas, especialmente en el capítulo 3 y 4. Cada uno con un objetivo determinado, poseen características de pelea, señas y tips de títulos anime de años anteriores, siendo muy bien homenajeados en forma paródica. Citando a alguien escojo a Mari, amiga de B-Ko que posee músculos enormes y la complexión física de Kenshiro (Puño de la estrella del Norte), con toques del arte marcial casi idéntico. Para aumentar el humor se destacan el Capitán Napolipolita y D, alguien misterioso que siempre sufre cuando la chica pelirroja corre en sus travesías matutinas.

El aderezo a esta locura sin fin es la llegada de una flota extraterrestre, donde las diferencias de las chicas deben dejarse a un costado para poder vencer a... ¿a quienes? a otros personajes aun más locos, e igual de divertidos.

La animación es realmente un producto a destacar (¡¡viva la versión remasterizada!!), con trazos decentes en los momentos donde la acción abunda, y sin fallos, estamos hablando de 1986 donde cada viñeta costaba todavía bastante, los dibujantes debían cargar mucho sobre sus hombros y con los años pudieron ir delegando varias tareas, las computadoras empezarían su auge en pocos años futuros esencialmente en las paletas de colores, tonos de luces y sombras, etc.

Luego de los cuatro episodios salieron dos Ovas (conocido como A-ko: Uncivil Wars) considerados spin-off, ¿por qué razón? el guión cambia a las protagonistas Eiko y Biko como caza recompensas, tirando una especie de pareja estilo Dirty Pair. El humor está disminuido pero sigue presente.

Dobladores:

Miki Itou pone la voz a A-Ko Magami, la protagonista principal. Entre sus trabajos se hallan Gally (Battle Angel Alita), Androide n° 18 (Dragon Ball Z), Taiga (Fate/stay night) y Fuyumi (Saikano).
Emi Shinohara compone a Biko "B-Ko" Daitokuji, Kaho Mizuki (Cardcaptor Sakura) (TV), Mari Iimura (Hajime no Ippo) y Makoto Kino/Sailor Jupiter (Sailor Moon).
Finaliza Michie Tomizawa como Shiko "C-Ko" Kotobuki, quien puso su voz como Doris (Vampire Hunter D), Airi Komiyama (Those Who Hunt Elves), Rei Hino/Sailor Mars (Sailor Moon) y Matsuzaka-Sensei (Crayon Shin-chan).
 

Y acá viene algo bueno, la versión en español no está nada mal, siempre se prefiere lo japonés con subtítulos pero la versión que otorgan los seiyus occidentales tiene gran calidad. Graciela Molina (A-ko) dobla a Nana Osaki (NANA) y Deedlit (Record of Lodoss War) pero puede ser reconocida más que nada como Pandora (saga de Saint Seiya: Hades).
Mercedes D. Hartz (B-ko), es conocida por Lamu (Urusei Yatsura) y Kei (Akira).
Núria Trifol es la más famosa en cuanto a doblajes, siendo dobladora en español y catalán, hallando a Sasha/Athena (Saint Seiya Lost Canvas), Ranma Saotome (Ranma ½), Natsumi Tsujimoto (You're Under Arrest) y Lain (Serial Experiments Lain).


Shoichi Masuo está detrás del acabado de mechas, siendo su aporte bien recibido. Este director en la animación de los robots (hay que acordarse que en Ovas, series y demás hay un director/jefe para cada tramado sea color, líneas, mechas, automóviles, música, etc) se destaca por su contribución artística en títulos como Nadia: The Secret of Blue Water, Vandread, Gunbuster y Evangelion, por mencionar algunos.

En resumen: clásica entrega para disfrutar de un tirón, estética de dibujo ochentoso, comedia y acción a dosis iguales. Nos vemos en otra reseña,

Review anime Capitán Harlock (de los 70)

Clásico de fines de los 70, narrando las batallas del Capitán Harlock contra el imperio de las Mazones, guerreras de origen vegetal, que desean la extinción de los humanos sobre la Tierra para asentarse sobre ella. Capitán Harlock (también conocido como Capitán Albator, Raimar) es un manga que se publicó en Japón en 1977, teniendo una historia adulta y política para la época, y consiguiendo un éxito arrasador.

Con semejante tesoro, una adaptación animada no tardaría en realizarse, por lo que en Marzo de 1978 se estrenaría el animé. Aunque poseía algunos pequeños cambios, la trama se respetó en casi todo, logrando un producto que a la larga se consideraría un anime de culto.

Nombre original: Uchu Kaizoku Captain Harlock
Creador: Leiji Matsumoto
Estudio: Toei Animation
Género: Ciencía ficción
Categoría: Shônen
Año: 1978/79
Nº episodios: 42

En el año 2977 la Tierra posee un único gobierno central que proporciona a los habitantes todas sus necesidades, pero a pesar de la aparente calma no hay libertades, siendo la mayoría de los pobladores seres cobardes y corruptos. Cuando un grupo comandado por el Capitán Harlock se rebele contra el sistema, será injustamente acusado de las misteriosas desapariciones de los astrónomos y científicos más importantes, siendo condenado a muerte. Desde entonces, Harlock y su tripulación se embarcarán en la nave Arcadia, siendo llamados los "piratas espaciales".

La verdadera trama sucede cuando llega del espacio exterior una esfera negra, que se estrella en Tokyo. Daiba, un científico, descubrirá que los jeroglíficos inscriptos en ella contienen el mensaje "Gloria eterna a las Mazones" y advierte al gobierno sobre una invasión inminente, pero no es escuchado y sus dichos terminan siendo ignorados.

Daiba será asesinado por las Mazones camufladas en la Tierra, seres vegetales con apariencia de mujeres humanas, las mismas que secuestran y matan a las mentes más brillantes y Tadashi, hijo del científico, asqueado por el silencio y la incompetencia del gobierno, se integrará a la flota de Harlock, los únicos que le harán frente a la tropa desconocida, buscando su venganza.
En el camino conocerá a los diferentes tripulantes de la Arcadia, y poco a poco el pasado de Harlock.

Animación
Lamentablemente no es gran cosa, pero sus falencias son perdonadas, ya que estamos hablando de una serie de 1978, con todas las limitaciones técnicas propias de ésta época. Su estilo de dibujo se respetó en casi todo, siendo los personajes muy flacos y estilizados, tal como están dibujados en papel. (sería una onda Paradise Kiss, para dar una idea). El estilo visual final no queda mal, pero para alguien que esté acostumbrado a series muy novedosas le puede resultar al principio chocante. Y por supuesto, no podrán hallar ningún vestigio de computadoras o efectos especiales, ya que todo fue realizado a mano.

 Claras diferencias entre serie y Ovas

Universo Leiji Matsumoto
Siendo ésta su obra más conocida, el autor alterna a sus personajes en diferentes líneas temporales:

1- El pasado de Harlock
Es explicado en la película "Mi juventud en la Arcadia", donde se lo ve siendo un joven capitán terrestre que se enfrenta al imperio Illuminias. Ya aparecen los personajes de Mime y Emeralda, donde se unen a la causa libertadora de la resistencia, y conocerán a Maya y Tochiro, quien se convertirá en el mejor amigo de Harlock.
Cuando el gobierno se alíe con los Illuminias y trascurran varias batallas, algunas de ellas trágicas, el joven carácter de Harlock quedará forjado y se autoexiliará hacia el espacio, donde luchará por la Tierra pero bajo su propio símbolo: la bandera pirata.

2- Creación de la Segunda Arcadia
Como la película no terminaba de cerrar con la serie de 1978, se realizó una segunda temporada de tv, que narraba algunos acontecimientos desde el final de la cinta hasta el inicio de la primer serie. Llamada "Mi juventud en la Arcadia: Órbita infinita SSX" fueron en total 22 episodios, centrándose en Tochiro y Harlock casi exclusivamente y la destrucción de la primera nave Arcadia.

3- Serie original
Acá se situarían los 42 episodios que narran la lucha contra las guerreras mazonas, ya mencionados anteriormente.

4- Los Ovas
Basados en un universo alternativo. El dibujo está renovado y mejor caracterizado, incluso posee algunos toques de computación en las batallas, dejando una apariencia más fresca. Inspirada en la obra de Richard Wagner, "el Anillo de los Nibelungos", donde una sortija de oro posee toda la energía del universo.
Por una venganza de Alberich, un dios desterrado, la Tierra podría desaparecer debido al infinito poder del artefacto mágico. Harlock, junto a varios personajes de diferentes obras (ejemplo Maetel, la protagonista de Ginga Tetsuo 999), se unirán contra los oscuros deseos de Alberich.
Estos ovas son los que poseen una buena BSO, grabada por la Filarmónica de Moscú.

Universo alternativo del pasado: Otros 13 Ovas donde se muestran más aventuras de Harlock y Tochiro con nuevos personajes.

Capitán Harlock, pirata espacial: película en 3D CG donde se reinterpreta la historia, aquí Harlock tendrá "inmortalidad". es más cínico y su deseo es restaurar el universo. Hemosa visualmente, patina en el lodo (y mucho) en el guion.

Se espera alguna nueva entrega o incluso remake, ya que se acercan los 50 años desde su creación en 1977, toca cruzar los dedos.

Apartado técnico:
Como un dato para tener en cuenta, es que de esta serie surgieron muchos animadores y productores de gran envergadura. Además del director Taro Rin que ya era famoso por sus trabajos de Astroboy y Kimba (entre otros), muchos iniciaron sus pasos aquí para luego desarrollar mechas y robots de otras series conocidas, tales como Escaflowne y Macross, por citar algunos.
Los dobladores mexicanos hicieron un muy buen aporte con sus voces, aunque los españoles fueron más fieles a los diálogos, haciendo el "pasaje" directamente del japonés, no del inglés.
Quien haya visto muchas series antiguas, reconocerá las voces de dobladores famosos, como la de Manuel Lázaro y Luis Espinoza, alma maters de los 80.

Banda sonora:
Lamentablemente, un punto flojo, sin destacarse casi ningún tema en especial, siendo irritante el transpaso del opening del japonés al castellano. Las letras, como muchas veces ocurre, totalmente cambiadas. Una pena porque la banda sonora de Yamato (otra creación de Matsumoto) era muy aceptable. Lo raro fué conocer que el autor de la música es Shunsuke Kikuchi, famoso por lo perfeccionista en su labor, quien se hizo mucho más popular con la música de Dragon Ball.
Salvo por los ovas "Harlock Saga" que poseían pasajes de obras clásicas e instrumentales, no será una serie con BSO para recordar.

Comentario final
El principio de los 80 fue la época de oro de Leiji Matsumoto, ya que se adaptó la mayoría de sus obras al ambiente televisivo. Algunos ejemplos que también aparecen (o se mencionan) en Harlock son:
Queen Emeraldas, Ginga Tetsuo 999, más conocida como Galaxy Express 999, y la Reina de los Mil Años. Los personajes se entrecruzan constantemente.
Algo común en todas las obras de éste autor es la crítica ante la pasividad de muchos gobiernos, la falta de libertad, y la esperanza de los considerados "traidores rebeldes", los únicos que intentan cambiar el sistema autoritario. Muchas reflexiones acerca del ser humano, sus defectos y virtudes quedan expuestos en los mangas de un gran creador de historias.

En resumen: Un buen transpaso del papel a la versión animada. Consigue realizar la crítica social que el autor pretendía.
Lo mejor: Argumento sólido y sin decaer con el avance de los capítulos. Los ovas y la película, todo un clásico.
Lo peor: La calidad gráfica de la serie original (por la época), la banda sonora de la serie no es gran cosa.

Análisis de Mafalda, la historieta

Tensiones sociales propias de la época en las que se encontraban los países, reflejados con una mirada en donde se mezcla lo ingenuo con lo ácido. El trabajo, la opinión pública, los pormenores para llegar a fin de mes, la ecología, la cultura y la política son mostradas por una pequeña pandilla de amigos, una sátira inteligente en donde el dicho "pinta tu aldea y pintarás el mundo" le viene como anillo al dedo.
Una obra moderna, donde lo dibujado apenas ha cambiado a pesar de haber finalizado hace 50 años.


El conflicto de Vietnam, las mentiras del gobierno estadounidense, las ganas de poseer una superioridad militar y demostrar el poderío es algo que la protagonista no tolera, pero no es sólo una advertencia ajena, ya que en muchas naciones se estaban llevando a cabo experimentos nucleares, siendo éste el temor mas infundido de las viñetas que componen la obra.

Si bien en la actualidad nos parece una tontería, el miedo a una guerra nuclear probable estaba latente, especialmente por la corta distancia entre las bombas de Hiroshima y Nagazaki, apenas dos décadas atrás. La visión de algo similar en Occidente era una fuerte preocupación, los conflictos entre EEUU y la Unión Soviética se hallaban a flor de piel y se sentía lo que después conoceríamos como la "Guerra Fría".

Cine, radio y luego...la televisión
Mafalda es una chica de 6 años que desea ver una sociedad justa, sin sobresaltos y donde prime la razón, un ejercicio difícil cuando escucha las noticias en la radio. Posteriormente se puede observar la llegada de los electrodomésticos y el factor de consumo, los vendedores ambulantes que iban a las casas para publicitar sus productos y el tema del "estatus", quien tuviera televisor pertenecía a la clase media, un pensamiento bastante común en la década del 60.
Si antes el cine "condenaba" a los espectadores al infierno, el televisor era el "causante" de las mentes podridas, el miedo a los contenidos son mostrados por el padre de la protagonista, algo que no nos resulta raro en el presente porque ¿quién no ha escuchado alguna vez que el anime (entre otras cosas) hace malvados a los niños? Si todavía ahora persiste semejante flagelo, imagínense en las décadas pasadas.


El capitalismo, mostrado a través de Manolito
Uno de los personajes más queribles es el hijo del almacenero del barrio, siendo un homenaje y a la vez parodia por parte del autor hacia su familia, padres, tíos y abuelos de raíces españolas. El capitalismo que manifiesta este pequeño niño es una clara imagen que el imaginario poseía sobre el país ibérico, donde con trabajo y mucho sudor uno podía ascender a una clase social más elevada.


Es el único que ya tiene su destino decidido: abrir una cadena de supermercados con su nombre...y fundir a Rockefeller, a quien admira, envidia y odia, todo a la vez. Mostrándose con bajas notas en la escuela (su bestialidad es risible) intuye que el conocimiento lo hará mas capacitado para las ventas... aunque sus amigos deban soportar que cada tanto quiera enriquecerse de formas no tan lícitas, con algunos alimentos en mal estado (las "ofertas del día"), morcillas duras como piedras, quesos humeantes, etc. La afición al dinero es gigante y goza de sentirse como futuro ejecutivo, espejo de varios millonarios que pululaban en los 60 y 70.

El nuevo rol de la mujer en la sociedad
Para mostrar la "humanidad" de Mafalda hacía falta alguien que fuera su antagonista en las decisiones que tomara, así Quino introduce a Susanita, totalmente opuesta a la primera ya sea en ideas, políticas, opiniones y sentimientos. Siendo a veces tan repelente con sus diálogos, se logra el propósito inicial del autor: la convivencia entre diferentes modos de pensar.

Los choques intelectuales entre las dos nos muestran la crudeza del mundo adulto, ella no razona con el grupo sino para sí misma: si no lo veo, no existe. Así es la mentalidad cerrada que en vez de erradicar la pobreza, prefiere esconderla.
Susanita es la arquetípica mujer de las viejísimas series de televisión: esposa devota donde su función es tener hijos, ser ama de casa y estar pendiente de la moda y los últimos modelos en vestimenta, nada de innovaciones y menos una idea revolucionaria.

Con el contraste y la introducción del feminismo, la sociedad experimenta un cambio de valores que algunos no aceptan, viéndose las colisiones entre las nuevas y las viejas facciones. La madre de Mafalda también manifiesta su entusiasmo, y aunque no se recibió posee estudios universitarios.
Chusma, rencorosa y racista, si algo malo se tiene que mostrar en forma cómica, la elección será para Susanita.

La imaginación, la inteligencia
Con un año mas que la pandilla, Felipe es la "contradicción misma"; seguro y valiente o tímido y deprimido, visualizamos al mas normal entre la muchedumbre. El poder de su mente para imaginar mundos alternativos o recrear un personaje favorito puede llegar a opacar incluso a Mafalda. Odia la escuela y se deprime con la enseñanza, pero Quino le brindó el don de la inteligencia. Con él nos enteramos de la cultura reinante por aquellos años, la música, los maestros del ajedrez, libros o historietas, entre otras cosas.



La inocencia y la voz del pueblo
Miguelito, con un año menor, es el paradigma de la belleza infantil, esperando siempre algo, es ingenuo y a veces resulta pedante con su increíble narcisismo, donde todo gira alrededor de el. Refleja los temores y la violencia de los servicios de orden público, especialmente los policías y militares. El más chico de edad (exceptuando a Guille) que todavía no tiene las ideas bien claras, al punto de creer que "Mussolini era un buen tipo".
El último personaje que aparece es Libertad, donde su altura es irrisoria (otra parodia hacia la justicia) y siempre defendiendo las buenas costumbres de la democracia. La niña que más lograda está en guión, su madre hace traducciones francesas (el homenaje a la "liberación que provino de Paris"). La más parecida a Mafalda en pensamiento.

Además de protestar contra la guerras, las injusticias, la opresión y la ignorancia, siempre habrá tiempo para las actividades de la escuela y jugar, no toda la obra es política y con esto el autor consigue dar un descanso hacia gags muy cómicos, regodeándonos con la codicia de Manolito, el egocentrismo de Miguelito, las vacaciones junto a los familiares, y un tema que afecta a todos los amigos... ¡la sopa!

La comida intragable.
En otro indicio de rebeldía, casi todo el grupo odia este brebaje, después de considerarlo repugnante es la excusa perfecta para señalar el sometimiento de los hijos hacia sus padres. Mafalda es la portavoz oficial de la oposición, al punto de descomponerse cuando observa a su hermanito Guille la increíble devoción al tomarlo, una herejía para su estómago.
Si muchos líderes políticos no la hubieran tomado en su niñez, estarían todos mejor, este es su fundamento para despellejar a Cuba, China o Rusia. No hay trato con la sopa, se odia o se odia...una batalla perdida cuando hay panqueques de postre.


Serie animada
En 1973, con la autorización de Quino, las travesías del papel se trasladaban hacia la pantalla grande en 52 cortos (El mundo de Mafalda). Si bien tuvo aceptación no fue el éxito esperado, básicamente porque sin importar los acentos de cada lugar, una "historieta" posee la voz que uno se imagina, no siempre resultando fiel a lo que uno tiene en la cabeza. Sin embargo los episodios "mudos" están bien logrados. Se consigue una versión remasterizada en dos dvds.

La película: El largometraje se transmitiría en 1991, mejorando notablemente la calidad y cambiando el aspecto de algunos personajes, color de peinado, etc. Con una duración de 72 minutos, se intercalan grandes dosis de humor. Mucho más ameno para que sea apto para todos, está menos politizado por lo que lamentablemente pierde mucho.


El merchandising:
A excepción de Francia en donde se publicó en colores, la obra fue traducida a más de 30 idiomas en su formato original. Lugares como Japón, Taiwán e incluso China recibieron las viñetas, principalmente para hacer frente a la piratería.
En este último se suprimió gran parte de la participación de Susanita, por el estricto control de natalidad (el personaje desea al ser mayor tener varios niños, algo que afecta al país por la superpoblación).

En resumen: Historieta de a cuadros que perdura en el tiempo, mientras exista injusticia social en el mundo las criticas de Mafalda serán actuales.

Lo mejor: Críticas inteligentes, personajes queribles.
Lo peor: Que muchas cuestiones reflejadas existan todavía, para mal de la humanidad

Videojuego del recuerdo: Prince of Persia 1989

Resubido, originalmente en Octubre del 2012 y publicado en la Revista KoukyouZen 31: Videojuego del recuerdo

Nombre original: Prince of Persia
Autor: Jordan Mechner
Empresa: Broderbund Software
Género: plataformas
Modo: un jugador
Año: 1989
 
Si, todos conocemos la saga de la Playstation 2 y 3, pero... ¿la primera versión? El arcaico y adictivo inicio fue la revolución en muchos sentidos y sin exageraciones. ¿Qué tenía de innovador un juego de plataformas?

Nacido para Apple, la muy buena recepción hizo que se versionara hacia el antiguo D.O.S, los movimientos fluidos y ágiles del protagonista era algo épico y permitió un avance en las posteriores entregas de plataformas.

Por primera vez las secuencias de correr, saltar, caminar y atacar con espadas parecían verosímiles, esto se logró por el gran trabajo de cámaras de la empresa en el campo de la programación.

¿La historia? El cuento de siempre: Estando el Sultán fuera del país, un avaricioso colaborador desea ser el gran mandatario, por lo que secuestra a la hija. ¿Nuestra misión? rescatar a la princesa de un destino oscuro: casarse con el visir Jaffar y gobernar junto a él...o morir. 

El aventurero en nuestras manos posee una hora (que se hacía corta) de reloj para escapar de un laberinto de pisos, cada uno lleno de trampas, pinchos, precipicios y más obstáculos y adversarios nada fáciles, e intentar acabar con el malvado y rescatar a su prometida.

La dificultad iba en aumento, acorde los granos del reloj de arena se iba acercando a su fin, y era bastante frustante no poder pasar un nivel sabiendo lo importante que era cada minuto.
¿Cómo pasarlo? (y sin guías, que en esa época no había internet) el recurso del ensayo-error, la próxima vez que nos sentáramos ya teníamos memorizado qué hacer y la rapidez para obtener el mejor beneficio.

Luego de conseguir la espada y manejar básicamente los comando de correr y saltar, los contrincantes y guardias de Jaffar se irían interponiendo en una galería de fantasía y pasillos de terror: pisos en mal estado, pozos, grietas a descubrir, columnas, guillotinas en serie (y con un ruido aterrador si nos cortaban) y lo mejor, los espadachines.

En los niveles superiores no eran ofensivos sino que se los debía "provocar", levantando la espada y tratando de detener las estocadas con fintas y contraatacar, tarea que requería reflejos.

Era tan bueno y adictivo que se pasó en varios formatos de consolas con mejoras gráficas, algunas muy logradas y otras sin pena ni gloria.
El filón de las ganancias hizo que se sacara una segunda parte, pero al no existir un guión sólido (de hecho, era casi una copia) y su extremísima dificultad, hizo que pronto cayera como "spin-off", sin seguir el camino de su predecesora.

Remasterización, gráficos de alto nivel en las "entregas de homenaje" 

A pesar de que Broderbund Software no hacía sencillos los combates, hallábamos humor en varios pasajes: luchas con esqueletos que "revivían", un ratón mandada por la princesa para sacarnos de algún apuro, una "sombra" nuestra luego de romper un espejo que molestaba cada tanto, pociones que ayudaban a caídas en cámara lenta, cosa así que lograban una pequeña sonrisa, ya que la muerte acechaba apenas bajáramos la guardia.

Si bien disfruté esta aventura en un monitor Hércules monocromático (en una PC 286) la llegada a color VGA aumento enormemente la calidad, amén de sonidos estilizados en vez de pitidos. haciendo aun más placentera la tarea de entretenerme por un rato...menos de una hora si quiero tener el final feliz.

Totalmente recomendable pues a pesar del paso de los años, sigue estando al tope en muchísimas páginas de abandonware en internet por su amplia abanico de posibilidades en décadas pasadas: de Apple II a Atari, Amiga, Sega, Sega Genesis, Ninetendo, SNES y Game Boy color, luego se empezó a contemplar una re-adaptación para Playstation 2, con una trama ampliamente superior y jugabilidad en tercera persona, y para finalizar se llevaría a la pantalla grande...pero eso es otra historia.
Nos vemos en otro número

Dr Slump

Publicado en el 2011, actualizado textos, disfruten :)

Nombre original: (Dokutā Suranpu - Dr. スランプ)
Autor: Akira Toriyama
Categoría: Shonen
Género: Comedia, fantasía
Publicación del manga: 1980-1985
Nº de tomos: 18 tankoubons
Anime 1ª temp.: Dr. Slump & Arale chan
Dirección Minoru Okazaki - Shigeyasu Yamauchi
Estudio: Toei Animation
Emitido: 1981-1986
Episodios: 243
Anime 2ª temporada
Dirección Minoru Okazaki
Estudio: Toei Animation
Emitido: 1997-1999
Episodios: 74

Sumérjase en Villa Pingüino, lugar donde viven el profesor Senbei Norimaki y su reciente creación: Arale, un robot con forma de una chica de primaria que cambiará la forma de vivir de todo el pueblo. ¿Sentido común? ¿lógica? nada de eso, sólo aventuras y muchas risas...

Estilo de dibujo: Debido a la comedia constante, los personajes no poseen un formato corriente, alternando entre el dibujo normal y superdeformed entre las páginas. Todavía conserva las formas redondeadas en la mayor parte de la gente del poblado, más adelante, las obras poseerían trazos "rectos" y adultos. Mejoramiento gradual con los fondos, con detalles entintados y mayor uso de tramas grises, notándose a la mitad de los tomos el estilo definitivo que usan hasta el cierre del título. Mención especial a los cuerpos de la mayoría: una desproporción (algunas veces exagerada) entre la cabeza y el torso para acentuar el estilo cómico.


Del papel a la pantalla: Un año después del inicio del manga se daría el traspaso hacia la tv, con un muy buen pasaje en cuanto a diseños de dibujo, ya que la ventas de los tankoubon ameritaban el éxito. Si bien hay capítulos de relleno, la correcta distribución de los episodios logró que se crearan más de 240 capítulos, además de las películas. Luego de cinco años, Akira deseaba ilustrar las aventuras de un "niño mono", con lo que finalizaría las correrías de Arale tras 5 años ininterrumpidos.

Doblaje: Kenji Utsumi pone sus cuerdas vocales al profesor Senbei Norimaki, este seiyu ha trabajado en más de 100 títulos de anime, siendo reconocido principalmente por Shen Long (Dragon Ball Z) y Alex Louis Armstrong (Full Metal Alchemist). Arale está interpretada por Mami Koyama, Balalaika en Black Lagoon, Miki en City Hunter, por nombrar algunos trabajos. Tessho Genda sería la voz de Suppaman, un seiyu secundario muy valorado en el ambiente, voz de Rei en Urutsei Yatsura, Optimus Primus en varias temporadas de Transformers y Aldebarán en Saint Seiya. 

Increíblemente hay una gran variedad de traducciones, debido más que nada a la autonomía de los canales españoles, encontrándonos diferentes voces según el canal valenciano, catalán, vasco, gallego. También la hubo en español neutro, para latinoamérica utilizarían seiyüs mexicanos.

En los 243 episodios sólo descubriremos dos openings "Waiwai World" (Ado Mizumori y Koorogi 73) y "Waiwai Koushinkyoku" de Mami Koyama, además de 3 endings de los mismos autores y el último producido por Mitsuko Horie. Ado Mizumori, mejor conocida en Oriente como "Ado Chan", además de cantante es una famosa ilustradora de los años 70. Koorogi 73 fue un grupo de j-pop conocido principalmente por sus aportes a las versiones de "Kamen Ryder". Con 12 años, Mitsuko Horie tendría su primera canción hacia el mundo del anime con "Judo Boy", seguiría con títulos shôjos como "Ashita e Atakku" y "Candy Candy", pero popularmente quedaría como seiyü de Sailor Galaxia (Sailor Moon) e Hilda Polaris (Saint Seiya, saga Asgard).

El regreso de Arale: Tras el final de Dragon Ball GT, ya no había nada nuevo de Toriyama que ofrecer, y estando la franja de horario muy peleada se decidió reciclar otro trabajo del autor; así, con nueva animación y mucha publicidad, se estrenaba la que sería una renovada temporada de "Dr Slump". Por desgracia, la contra eran los nuevos desafíos de Arale, un refrito de la serie homónima de principios de los 80. Aunque los dibujos eran más brillantes y limpios, no cubrió las expectativas que se esperaban para una franja horaria, siendo retirado con 74 episodios.

Doblaje: Esta vez el rol de Senbei recae en Yuusaku Yara, quien también trabajó en Saint Seiya como Thor en la saga de Odín, y Borgoff (Vampire Hunter D). La robótica creación, Arale, es demandada por Taeko Kawata (Suzu Fujibayashi en Tales of Phantasia, Yuki en Rurouni Kenshin).

Opinión personal: Hablar de Toriyama es decir "Goku, Vegeta, Gohan y las esferas del dragón", pero ¡sorpresa! muchísimos dibujantes tienen su fama luego de mezclar y reciclar a personajes anteriores. Si alguna vez se preguntaron de donde provenía el luchador "Mr Satán", ya pueden adivinar la respuesta: sus facciones y mucho de su carácter explosivo deviene del profesor Sembei Norimaki, el maestro mecánico por excelencia.

Aunque Toriyama pensaba darle el protagonismo a él mientras narraba sus desventuras, terminó siendo Arale la estrella indiscutida. Puu, Roshi y Krilin son "residuos" de Dr Slump, algunos casi calcados.


¿El porqué del éxito? los capítulos del papel eran autoconcluyentes, no había una trama profunda, se contaban solamente las peripecias que sufría el genio debido a su robótica creación femenina, y el humor constante. La ingenuidad de Arale era otro factor decisivo, ya que ésta no medía su increíble fuerza, muy torpe y proclive a no mostrarse como una niña de (supuestamente) 12 años. Todo esto con un condimento extra: Norimaki no quería que se supiera la condición androide de Arale, tarea difícil cuando no para de sacarse la cabeza de lugar y pedir aceite como desayuno.

Con la comedia como sello indiscutido (hasta la aparición de la "etapa Z") sus títulos mostraban trazos de dibujo nuevo para aquellos años. Si bien Dr Slump fue un boom en todos los sentidos, el pasaje hacia la televisión de Dragon Ball se convertiría en su legado, siendo señalado como uno de los shônen más influenciables en la historia del anime. Cuando Goku creció, las peleas fueron incrementándose y el humor se correría a un segundo plano; con el fin de la saga de Boo, Toriyama intentó volver a los gags payasescos de sus inicios con Go Go Ackman, Kajika, Cowa!, aunque debió plasmarlo solamente en el papel, ya que su nombre quedaría vinculado para siempre con el guerrero saiyajin. 

Finalmente se dedicaría a diseñar personajes para muchas plataformas de videojuegos (el más reconocido es Chrono Trigger). Su último trabajo hasta la actualidad fue el diseño de los protagonistas para Blue Dragon, y la supervisación de la remake de DB Kai.

Las parodias se sucedían con normalidad, en Villa Pingüino no existe la lógica y el sentido común, esto fue otro acierto para no limitarse con las exageraciones que tienen los diferentes hombres y mujeres dentro de la obra.


Referencias a clásicos y a todo lo que acontecía en aquellos años, seguro se encontraba en algún capítulo del manga: Astroboy, Macross, Superman, los autos locos, King Kong, diferentes clases de mafiosos, Star Wars, Clint Eastwood, Frankestein...todo en 18 tankoubon. (separados en 40 en la edición española).

El autor no pretende dar un mensaje ya sea filosófico, político o similar, le basta con sacar unas risas a los espectadores, el guión sólo se basa en chistes corrientes en donde se parodia hasta a sí mismo, incluyéndose como un personaje más. El anime es recomendable para los chicos por lo absurdo, aunque no llega a kodomo, está destinado principalmente a esa franja.

En resumen: Un título para ver los comienzos humorísticos del creador de Dragon Ball Z.
Lo mejor: Gags efectivos, los malhechores que se cruzan con Arale.
Lo peor: Cierta repetimiento con el correr de los tomos.